Почта
Карта сайта
Поиск по сайту
Поиск
Поиск

Радио "Благо" 102,3 FM

ON-LINE

Сайт
История
Программа
Архив mp3
Галерея живопись
Новости культуры
Галерея фотографии
Слушать радио
Благо Лавка
Благие дела
Благо Клуб
Наши враги
Наши друзья
Новости культуры и радио
Архив mp3
Архив mp3

Цикл лекций Марины Калашниковой в ГЦСИ

Диктор: Здравствуйте, дорогие радиослушатели! В эфире - «Время культуры». И сегодня мы  расскажем вам о новом цикле лекций в Государственном центре современного искусства в Москве.

Курс под названием «Идеологии искусства второй половины 20го века» стартовал в начале апреля и продолжится до 2 июня. Занятия проходят по понедельникам с 19.30 в малом зале Государственного центра современного искусства по адресу: Москва, улица Зоологическая, дом 13.

Авторский цикл лекций представила искусствовед Марина Калашникова,  исследователь проблем современного искусства, архитектуры, дизайна, урбанистики. Она также читает лекции в Университете нефти и газа имени Губкина на кафедре истории мировой культуры и в Школе архитектуры и дизайна в Москве.

Марина Калашникова: Мой курс «идеологии искусства второй половины XX века» в таком объеме читается впервые. Мной, по крайней мере. .. Если первые мои курсы были рассчитаны на русское искусство, то сейчас я преимущественно стараюсь брать современное и в таком мировом масштабе. Потому что в первую очередь я работаю со студентами, с молодежью. И не возможно им существовать в парадигме  искусства 19-го века, нужно обязательно что-то знать ближе, о культуре современности. И, кроме того, они очень много путешествуют. Им опять же нельзя замыкаться только на каких-то московских или российских ситуациях. Поэтому курс такой вот довольно обширный. И для того, чтобы им сориентироваться в этом море информации, которое отовсюду на них плывет каким-то валом. Необходимо просто расставить какие-то нужные вехи, то есть какие-то ориентиры, благодаря которым они смогут воспитать свое отношение к современному искусству. А во-вторых как-то воспитать свой вкус.

Диктор: Структура курса подразумевает, что на каждой новой лекции слушатели будут знакомиться с тенденциями в искусстве конкретного десятилетия: начиная с 50-х годов и до настоящего времени.

Марина Калашникова: В этом курсе я, конечно, стараюсь говорить не только об искусстве, не только об изобразительном, о живописи, но и связать это с другими видами искусства и в первую очередь с архитектурой. Потому что опять же мои путешествующие студенты в первую очередь видят города, страны, архитектуру. И так как все виды искусства так или иначе связаны, вот в зависимости от той или иной идеологии, вкуса, интереса, веяния состояния рынка, то всегда очень любопытно посмотреть, как отражаются эти интересы одновременно и в живописи и в дизайне, например. Поп-арт, например. И даже в архитектуре и даже дизайне интерьера.

-        И еще очень важно, я хочу в конце этого курса, очень важно расставить какие-то акценты по тенденциям современного искусства, то есть куда оно все-таки выруливает в сегодняшний день, в сегодняшней нашей лодке культуры.

-        Насколько повлияли идеи 60-х или идеи постмодернизма, или они уже выгорели и уже не работают. В какой степени концептуализм сейчас актуален или это уже скучно и не интересно, и что есть нового?

-        Потому что есть интересные молодые художники, к которым мои молодые не художники относятся очень скептически. Просто поверить не могут, что им стоит куда-то сходить. И когда я их веду в музей на выставку современного искусства. Они бывают совершенно потрясены. Что оказывается не только по телевизору можно интересненькое что-то посмотреть. Но и в музее на выставке.

Диктор: Курс лекций Марины Калашниковой читается в ГЦСИ в рамках существующей в центре программы «История и теория современного искусства» под руководством известного художественного деятеля Антонио Джеуза. Как рассказали организаторы, программа создана для того, чтобы проанализировать историю современного искусства, его основные художественные концепции, понятия и идеологемы.

Марина Калашникова: Современное искусство — это всегда в первую очередь играет роль связующего звена между разными уровнями бытия. Потому что человек живет не только в материальном мире. Ну, есть такое выражение «Искусство отражает современную картину мира». Но вот этого мало, этого не достаточно. Современное искусство действительно, играет роль вот этой связки между физическим существованием и метафизическим. Это очень интересно. Это метафизическое, оно может быть... Эти пласты бытия.. Они могут быть на разном уровне. Могут быть выше, куда-то к небесам, а могут быть наоборот куда-то в нижние слои существования. Не только темная психология, разные есть пространства трансцендентного, а может быть даже трансцендентального, то есть в рамках тварного мира, то есть может быть где-то выше. И вот современное искусство, оно тоже налаживает эти связи, то есть оно на первый взгляд в рамках существования такого экзистенциального, то есть сейчас, сиюминутного. Но на самом деле, когда начинаешь подробнее рассматривать, ты видишь такие очень интересные выходы за рамки простого, житейского. Так что современное искусство играет роль связи.

Диктор: Лекции проходят каждый понедельник. Следующая встреча состоится 28 апреля и будет посвящена теме «Концептуализм как интеллектуальная агрессия ума». Затем 12 мая состоится лекция «Постмодернизм — обновление за счет опыта прошлого». 19 мая разговор пойдет о поздних 80-х и об искусстве «успокоенного общества». 26 мая пройдет лекция на тему «Начало нового общества 90-х: искусство без границ». И 2 июня цикл завершится разговором на тему «Проблемы и перспективы современного искусства». Подробнее о лекциях и системе входа можно узнать на сайте Государственного центра современного искусства.

А сейчас вашему вниманию представляется отрывок из первой лекции Марины Калашниковой в ГЦСИ, которая была посвящена теме «Интернациональные идеи 50х: возвращение к модернизму».

Лекция:

Человеческое зрение просто перестает восприниматься как идеальный способ чувственного познания мира. И живопись постепенно отказывается от линейной перспективы, световоздушной. Так вот редукция шла, вплоть до отказа от образа и в конце концов от самой картины как возможной формы самовыражения. Почему так происходит? Многие видят причину в том, что искусство XX века ведет постоянное противоборство, постоянный диалог с массовой культурой, которая возникает еще в середине XIX века. И модернизм как направляющая, предлагает несколько выходов. Это такой либо супер-дизайн среды, тотальный дизайн, либо такой путь в ничто. ТО есть изобретение не-искусства. И вот в частности, абстракционизм стремится вывести художественную форму за положенные зрению пределы. Ну а дальше будем говорить о 60-х, 70-х годах. В 70-е года вообще возникают сомнения в возможности представления реальности какими-то художественными средствами. А искусство пост-модернизма возвращается в реальность и вновь ищет от эти ориентиры, может быть даже видимые ориентиры авангарда.. ТО есть постоянно идет такое развитие по синусоиде. Почему это происходит, мы об этом с вами тоже будем говорить. Еще один очень важные вопрос, который постоянно возникает в связи с искусством XX века. Это вопрос качества изобразительного произведения. Какие критерии качества. Постоянно у меня возникают если не споры, то разговоры в студенческой среде. И если говорить о современном искусстве, то конечно, иерархия зависит от того, насколько пластически ясно, полно, энергоемко решена произведением та или иная задача. Вот такова проблематика моих разговоров, встреч и бесед. И вот сегодняшняя наша тема — это 40-е 50-е годы. Время, когда перекраивалась картина мира, болезненно менялось представление человека о самом человеке. И всю первую половину XX века искусство находится под мощным влиянием модернизма. Ну вот давайте вкратце определимся с этим понятием — понятие modernite. Оно впервые было описано еще Шарлем Бодлером в статье «Художник современной жизни». И вот модернизм — это не просто отказ от традиционного языка. Как то вера в прогресс, разум, разумное переустройство мира, переустройство мира на разумных началах. То есть новизна — это качество такое независимое от потребительской стоимости товара. То есть такая идея была в модернизме главная — новая эра, новое искусство для нового человека. Вспомните идеи Малевича — строил так называемые архитектоны для будущих землянитов. Но удар по модернизму, по идеям модернизма нанесла еще Первая мировая война.   А ужасы Второй мировой войны с еще большей силой обнаруживают такую рациональную природу человека. И к 40-м годам девальвируется представление о таких вот ясных, символических порядках модернизма. В 45-м году, когда произошло мгновенное разрушение двух городов. То есть такая веха, она общепринята в культурологии — произошло разрушение Хиросимы и Нагасаки, понимаете о чем я говорю. То есть произошло совершенно страшное, до сих пор мысленное только в фантастической литературе. И вот обществу был представлен такой возможный финал. После  modernite наступило тотальное разочарование в этих идеях. Но правда, идеи эти были еще сильны и в той или иной форме еще возникают и муссируются современной культурой. И материально-духовная реальность Второй мировой устрашает до такой степени, что на какое-то время человек осознает, что представление мира через искусство недоступно. Формально просто не осуществимо. И наступает какой-то... В конце 40-х годов наступает паралич представления в возможных видимых формах. То есть футуризм иссяк, идет такое нарастание экзистенции. При чем в таком неверно понятом варианте философии Сартра и Камю. В 43-м году выходит книга Сартра «Бытие и ничто», где он пишет об ответственности. Это философия без Бога. Но самая сила в нем сторона — это разговор об ответственности человека за содеянное. Философия не пессимизма, она дает силы и смыслы для человека в отсутствии Бога. Бога убил уже не Ницше, а сам человек своими страшными деяниями. Вот кто на себя возьмет ответственность? В первую очередь это сделали художники. И если говорить о европейском искусстве, о так называемом эсхатологическом  модернизме, то этот модернизм обнажает такую невозможную суть вещей. Как говорить вот об этом времени, о пережитом. В Европе об ужасах современности заговорила так называемая живопись информель. Которая как бы растворяет в своих мрачных бесформенных красочных массах последнюю беспредметность современного мира. Это произведения Жана Дюбюффе. В отличие от американцев, которых мы позже будем смотреть, которые склоны к такой абстрактной формализации, европейцы 40-х стремятся, как бы зацепиться за островки разрушенной реальности. И темный агрессивный мир картин представляет театр жестокости, в котором жизнь разыгрывает свои сцены. В военные годы в европейских странах поднимается движение против порядка. Поскольку порядок привел к смерти. Против рациональной культуры, которая считается высшим достижением расовой гигиены. И на передний план выходят экзистенциалисты, одиночки. Это художники, которые живут поверх барьеров, с такой социальной свободой действий. И в 52-м году живопись, живопись Дюбюффе и подобная живопись получила название «информель» или «арт-брют». Французский художник, скульптор Жан Дюбоффе, он считается основоположником этого направления. Ему было еще около 20 лет, когда он прочитал монографию Ханса Принцхорна «Живопись душевнобольных», которая произвела на него неизгладимое впечатление. И вот он создал около 10 тысяч работ, которые образуют целые серии: «Женские тела», «Маленькие изваяния ненадежной жизни». Арт-брют или информель, - это грубое или сырое искусство, принципиально близкое к любительской живописи детей, самоучек, душевнобольных. Оно не признает общепринятых эстетических норм. Использует любой подручный материал. Какие-то черты сходства с экзистенциализмом, экспрессионизмом начала XX века, конечно, есть, но такое ощущение как будто он редуцирован до уровня граффити настенного. Это изобразительная манера, которая напоминает вид «истерзанной штукатурки» по выражению Она отвечала картине военного времени 40-х годов. Если посмотреть на картину «Стена с надписями», 45-й год, мы увидим, что это как бы такой образ жестокости. Военного вида мужской фигуры, которая серой массы стены давит образ такой абстракции, яркой, которая вся помещается в нижней части полотна. В 42-м году Жан Дюбюффе возвращается в искусство из семейного винодельческого бизнеса для того, чтобы выступить против нацистской программы по уничтожению зарождающегося искусства. Всего того, что выглядит неприглядно, уродливо, как рисунки безумцев, как расово-чуждое арийскому вкусу, творчество примитивов. Искусство как бы отвергающее красоту и гармонию. Но Дюбюффе утверждал, что каждый человек — художник. И для человеческого существа рисовать также естественно как говорить или ходить. И не обремененный традициями и знаниями удушающей культуры, он творит инстинктивно и непосредственно. Конечно, произведения этого художника вызывали насмешки со стороны публики и критики. И третья выставка 47-го года  на самом деле вызвала настоящий скандал.  На ней было представлено множество портретов современников Дюбюффе, на которых они представали не просто в карикатурном виде. Вот портрет писателя Супервиля. Но личность всегда выглядит как объект приложения к некой силы, деформирующей воли, ка объект насилия, воплощение такой причиняемой жестокости. В 48-м году Жан Дюбюффе начинает собирать коллекцию Арт-брют и в настоящее время она находится в Лозанне, то есть коллекцию, которая пополняется. Это направление, которое не исчезло и по сей день. Оно существует, развивается. Дюбюффе работал и в 80-е годы. В 80-е годы как-то очень многие модернисты 40-х, 50-х. Жан Фотрие тоже работал в этом стиле. До войны был иллюстратором литературы сюрреализма. Он скрывался в время войны от нацистов в лечебнице, которая была расположена недалеко от леса, которое служило местом ночных расстрелов. И во время войны он уже стал известен как автор серии работ под названием «Заложники». Если у Дюбюффе эти мрачные игры отличает все-таки некий кураж, то здесь у Фотрие человек предстает совершенно бесформенной жуткой фактурой биологической. Все его произведения так и называются «Голова заложника»... Почти абстрактная, но наделены такой мощной телесной выразительностью. Своеобразной техникой пользуется Фотрие, накладывает такую розоватую пасту на лощенную бумагу, которая прилеплена к холсту. И вот вокруг этого кубика расплывается пятно, восковое, бесформенное, маслянистое. А потом он формирует эту пасту ножом. И покрывает порошком из разноцветных пастельных мелков. А иногда еще сверху наносит несколько штрихов краской, которая образует такие стройные черты лица. Хотя в общем-то лицо тут с трудом угадывается, скорее это похоже на вскрытую черепную коробку. То есть такое жуткое впечатление бесформенной органической массы, такой осадок биовещества. Отношение к плоти или исчезающей плоти может быть очень похоже Джакометти, на известного  швейцарского скульптора, у которого человек тоже предстает как некий остаток. Как сплющенная бронза, скрученная веревка, оплавленная и раздавленная внешним воздействием. В 48-м году Сартр пишет предисловие к каталогу выставки «В поисках Абсолюта». Он пишет: «Джакометти знает пространство как раб бытия, пожирающий все; создавать скульптуру означает для него удалять жир из пространства». Но, пожалуй, никому не удавалось выразить дикую бесчеловечность последствий Второй мировой войны лучше английского художника Бэкона, который никогда не пытался изобразить саму войну, но в образах это очень читается. Это произведение так и называется «Живопись», такая заходящаяся в крике человеческая фигура, которую мы видим в окружении мясных туш. Это очень мощное свидетельство того, что война — это лишь внешнее проявление глубинной человеческой боли. Бэкон никогда не отказывался от фигуративности, но фигуративность у него очень своеобразная. Сам Бэкон говорил: «Искусство — это страх жизни». И вот деформация его фигур, человеческих или напоминающих человеческую фигуру, размытость лиц, отражает непрочность человеческого существования, ужас смерти. Живопись как грубое хирургическое вмешательство. В его картинах речь идет как будто о какой-то пластической реинкарнации плоти. Так искажая пропорции лица Бэкон как бы лишал человека возможности дышать, видеть, осязать, делая его беспомощным перед стихией. Многие его картины похожи на сцены из боли. Как он сам говорил, жизнь в конечном счете — это боль. Вот эта картина написана (49-й год) под впечатлением от фильма Сергея Эйзеншейна «Броненосец Потемкин», которым он очень увлекался. Два фильма, которые он очень любил: «Броненосец Потемкин» и «Андалузский пес», которыми он восхищался. Разбитые пулей очки няни, в одном из эпизодов, стали таким мощным стимулом для многих живописных мотивов. Качуют из картины в картину. Слепота и смерть становятся таким мощным возбудителем. Из чего вырастают его образы. Это этюд по мотивам портрета Папы Иннокентия X Веласкеса.  Целая серия картин. Бэкон рисовал картины сериями, спонтанно. Он говорил, что «я повинуюсь цели, которую диктует мне развитие событий, которая неведома мне самому». Иногда он даже страдал от того, что на его долю как бы ничего не остается, картины сами заполняли себя, без его участия. Серию нельзя было прервать, пока реальность не выстраивалась, в соответствие со своими законами, которые он открывал как ученый, изучающий строение мира. Эти восемь картин из серии Иннокентия X он написал в 53-м году за две недели. Тема распятия. Бэкон не был верующим человеком, но тем не менее, тема распятия тоже очень популярный мотив, часто встречающийся. Распластанная кровавая масса, иногда искаженная страданиями. Иногда изображающая сползающую с креста тело, сползающее ниц. И у подножия распятия три фигуры. Здесь присутствуют такие зловещие, навевающие ужас существа, такие сюрреалистические.  Морды, с торчащими зубами. Для Бэкона они были символами богинь-мстительниц. То есть вот здесь, в этом ощущении военного и послевоенного времени. Делёз писал о Бэконе: «Друг экстазов, в котором тело сползает с костей, оно становится свободно от структурных, неволящих функций, свободным от разума, через живопись истерия становится искусством. Или через художника истерия становится живописью. Также следует сказать о художнике, что он не является истериком. Но это отрицание в духе негативной теологии. Мерзость становится великолепной, ужас жизни становится жизнью очень чистой и очень насыщенной. Смысл входит в умирающее сознание с пыткой и болью». Хотя Бэкон не принят историками искусства, он как бы анти-историчен. В его живописи мы как будто видим такой распад модернистской живописи. Вообще в искусстве Европы.

Диктор: Программа «Время культуры» подошла к концу. До встречи в лекционном зале!

Композитор Галина Уствольская
Людмила Улицкая - "Лестница Якова"
Московская международная биеннале 2016
К 130-летию Велимира Хлебникова «Мир и остальное»
Этномифологическая сюита “Дети Выдры”. Композитор Владимира Мартынов. На основе двух «сверхповестей» Велемира Хлебникова: «Дети выдры» и «Сангези».
Художник Евгений Ревяков
Выставка графики Кизимира Малевича и художников его круга - Третьяковская галерея на Крымском валу
Художник Эдвард Беккерман "За пределами снов"
Репортаж с акции "Возвращение имен"
"Видеть звук" - ГЦСИ и TodaysArt. Выставка "Диалоги света и звука".
Выставка Валентина Серова в Третьяковской галереи
Эксклюзивное интервью с писательницей Светланой Алексиевич. Нобелевская премия 2015
6-я Московская биеннале современного искусства.
Андрей Красулин и Дмитрий Ракитин - "Рыцари служения делу искусства".
Караваджо и последователи
Художник Дмитрий Гутов
Художник Павел Кузнецов «Сны наяву»
Художник Вадим Воинов
Александр Раппопорт. "Башня и лабиринт" - 3
Галина Маникова «ГЛАЗ ГЛЯДИ»
Александр Раппопорт. "Башня и лабиринт" - 2
Александр Раппопорт. "Башня и лабиринт" - 1
Валерий Подорога - "Освенцим и ГУЛАГ. Время после" - Часть 2
Валерий Подорога - "Освенцим и ГУЛАГ. Время после" - Часть 1
Фотограф Михаил Дашевский. Часть 2.
Фотограф Михаил Дашевский. Часть 1
Выставка «TobeUs. 100 людей – 100 идей»
Музей современного искусства "Гараж"
Скульптор Александр Колдер
Симпозиум "Современное искусство как важнейший фактор развития российской культуры" В Нижнем Новгороде.
Музей Анатолия Зверева - Музей АЗ
По итогам Большого Медиа-Коммуникационного форума /2
По итогам Большого Медиа-Коммуникационного форума/1
Михаил Матюшин. "Органическая культура". Лекция Л.Вострецовой.
Фотограф Сергей Челноков
Художник Владимир Немухин
Художник Михай Мункачи
Выставка номинантов премии "Инновация" В ГЦСИ.
Выставка "ТАФ-АРТ. Форма. Слово. Пространство" в галерее "Беляево" в Москве
Художник Никита Алексеев
С Еленой Камбуровой говорит - поэт Раиса Ипатова
Святослав Рихтер
Выставка «Шнитке / Schnittke» в Москве
«Гараж» - "Грамматика свободы. Пять уроков"
Художник Константин Батынков - "PROКосмос"
Выставка «Возможность полета» - ГЦСИ
Художник Алексей Ланцев
Mikhail Grobman. Tekstilschiki. 1960 s. "Барбарис", Ирина Тарханова
Архитектор Федор Шехтель
Интервью с Ириной Прохоровой о современной культуре
Памяти Елены Образцовой
Поэт Ника Турбина - вечер памяти в Москве
Художник Пауль Клее в Москве в ГМИИ им. Пушкина
Художник Маруся Соловьева
Художник Владимир Яковлев
IN ARTIBUS - Владимир Вейсберг
Интервью с художником Владиславом Татариновым
Художник Андрей Красулин «Место присутствия»
Памяти Людмилы Швецовой
"Николай Иванович Бодрягин и его ученики"
Вячеслав Колейчук
"Время Движения. Полвека русского кинетизма" 2
"Время Движения. Полвека русского кинетизма" 1
Художник Геннадий Зубков
Памяти Юрия Любимова
Владимир Стерлигов - "Геометрия природы Стерлигова"
Коллекционер Михаил Алшибая
Фестиваль FIAMP в Москве
Художник Александр Носов
Художник Ирина Нахова
Эрик Булатов "ЖИВУ-ВИЖУ"
Вера Коняшова-«Акт конструкции»
"Взгляни в глаза войны"-выставка
Фестиваль коллекций современного искусства в ГЦСИ
Фотограф Ромуальдас Пожерскис
Коломенский пленэр обошелся без конкурса
«Музей стрит-арта: возможность невозможного». Часть 2
«Музей стрит-арта: возможность невозможного». Часть 1
Коломенский пленэр. Часть 2
Коломенский пленэр. Часть 1
Художник Валентин Юшкевич
«Манифеста 10». Часть 2
«Манифеста 10». Часть 1
Фотохудожник Петр Ловыгин
Цифровые приемы и ограничения
Фестиваль театров малых городов России
В защиту Шуховской башни
Волшебный мир хорватского наива
Игорь Пальмин - архитектура и фотография
Оживший русский авангард
«Форпост военных корреспондентов»-2
«Форпост военных корреспондентов»-1
Цикл лекций Марины Калашниковой в ГЦСИ
Фотограф Алексей Мякишев. Часть 2.
Фотограф Алексей Мякишев. Часть 1.
Арно Рафаэль Минккинен - «Ретроспектива»
Франциско Инфанте и Нонна Горюнова - «Ре-Конструкции»
Виктор Тимофеев - «Мартовские… иды…»
«Абакумовские чтения»
Выставка «Древний Китай: ритуал и музыка»
Ирина Корина и Дмитрий Гутов - «Фотобиеннале-2014»
Алла Урбан, Владимир Наседкин и Татьяна Баданина
Владимир Мартынов-«Проект Музыкального Ковчега»
ГЦСИ-«Пространство LICIDA»
Культурный обмен по следам Абакумова
Николай Рахманов-«Алмазная фототека»

Сайт
История
Программа
Архив mp3
Галерея живопись
Новости культуры
Галерея фотографии
Слушать радио
Благо Лавка
Благие дела
Благо Клуб
Наши враги
Наши друзья

© 2000-2015, Радио102,3 FM "БЛАГО". Свидетельство о регистрации СМИ Эл N 77-2694 от 10.04.2000 г. © Фонд "БЛАГО"

Спасибо: